Llegas a casa después de un duro día, te sientas en tu escritorio, enciendes la consola y te pones los cascos. ¡Es hora de jugar a tu videojuego favorito! Aunque muchas veces no seamos conscientes de ello, las bandas sonoras tienen la misma importancia que los gráficos a la hora de proporcionar una completa inmersión. Permiten plasmar las emociones de los personajes y solo con escuchar los primeros acordes nos aparece una sonrisa en la cara.

En la entrada de hoy vamos a hablar de la historia de la música en los videojuegos. Y de paso, analizaremos las canciones de videojuegos más famosas que se han escrito jamás.

¿Cómo comenzó la música de los videojuegos?

La tecnología ha sido el principal hándicap de la música en los videojuegos hasta tiempos bastante recientes. El primer título que se conoce es Pong, creado por Nolan Bushnell en 1972. No tenía música y se limitaba a reproducir un efecto de sonido cuando golpeábamos la pelota. Un sistema que se mantuvo durante la década de los 70 en consolas como la Atari 2600.

Tuvimos que esperar hasta llegar a los 80 para descubrir el primer videojuego con banda sonora. Se trataba de Pac Man, un clásico atemporal de las máquinas recreativas. Pero el principal impulsor de la música de los videojuegos arcade fue Tempest, que contaba con unos chips especialmente diseñados para esta tarea.

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Lejos de los salones recreativos, los ordenadores personales comenzaban a despuntar con la llegada de Commodore en 1984. Se trataba del primer equipo de sobremesa que tenía un chip de sonido llamado Sound Interface System, que revolucionó por completo los estándares de calidad de los efectos y la banda sonora.

La aportación a la música de Nintendo

En 1985 Nintendo saca al mercado su primera consola con 4 canales de sonido independientes: uno para los efectos y el resto para la música. Y en esta época se crea uno de los videojuegos más populares de todos los tiempos: Super Mario Bros. Pero la principal aportación de la compañía no fue esta nueva tecnología. Nintendo es la primera empresa de videojuegos que contrató a un compositor para crear la banda sonora.

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El elegido fue Koji Kondo, un artista de excepcional talento que además de componer la genial melodía de Super Mario Bros, se hizo cargo de Zelda y otros títulos de la época. A partir de este momento, todos los juegos de plataformas imitaron este estilo desenfadado. Y desde entonces, los desarrolladores se dieron cuenta de lo importante que era la música para engancharnos a un juego.

El fin del MIDI y la llegada de los 16 bits

Los sonidos y música MIDI caracterizaron las décadas de los 80 y los 90. Aunque ahora mismo son bastante populares en los juegos retro, no ofrecen una calidad de sonido equiparable a un canción en mp3. El gran cambio llegó con la nueva generación de consolas de 16 bits, como la PlayStation o la Sega Saturn. Estos equipos contaban con 24 canales de sonido de 16 bits y los videojuegos venían en un CD, por lo que tenían la suficiente capacidad para almacenar un montón de canciones.

¿El resultado? Por primera vez en la historia pudimos escuchar bandas sonoras y efectos de sonido idénticos a un cd de música. Por lo que los compositores no tenían ningún tipo de limitación técnica para crear sus partituras y la música de videojuegos alcanzó un nuevo cenit.

Las mejores bandas sonoras de los videojuegos

Ahora que hemos visto cómo evolucionó la música de videojuegos antiguos, vamos a acabar nuestra entrada de hoy con algunas de las bandas sonoras y canciones de videojuegos más famosas. Sabemos que nos dejamos muchas fuera, como Zelda, The Last Of Us, The Witcher, Firewatch, Crysis o Final Fantasy, pero al menos queríamos mencionarlas.

Mass Effect

Jack Wall es un genio. Si en la primera parte todos nos quedamos fascinados con esa mezcla entre orquesta clásica y sonidos digitalizados, en la segunda llevó este concepto un paso más allá. La canción sobre la que gira toda la banda sonora es The Illusive Man, que se caracteriza por su pegadizo riff y un patrón progresivo que crea una enorme tensión. Este mismo concepto ha sido plagiado hasta la saciedad en numerosas películas y series de televisión. Algo que deja en evidencia el excelente estado de salud que goza la música de los videojuegos.

Silent Hill

En 1999 y en pleno apogeo de los horror survival llegó Silent Hill. Un juego con una ambientación genial que utilizaba la niebla para camuflar las limitaciones técnicas de la PS1. El compositor elegido fue Akira Yamaoka, otro peso pesado de esta industria. La música aumenta la tensión en el ambiente, con chirriantes sonidos de otro mundo que crean una atmosfera terrorífica. Y hace un uso excelente del silencio, uno de los grandes recursos para crear una banda sonora y que muchas veces se desaprovecha por completo.

Metal Gear Solid

La saga de Hideo Kojima ha alcanzado niveles casi cinematográficos, ya que el propio autor no oculta su pasión por el séptimo arte. Algunos de los compositores más afamados de los últimos tiempos han sido contratados para crear sus bandas sonoras, como es el caso de Harry Gregson-Williams o el mismísimo Ennio Morricone. Como te puedes imaginar, el resultado es simplemente excepcional. Y sirve de base para un videojuego de sigilo en el que la mayor parte del tiempo no estaremos hablando ni combatiendo. De hecho, según los especialistas, sin una música de calidad es probable que el título no hubiese alcanzado estas cuotas de éxito.

Super Mario Bros

Esta banda sonora no podía faltar en nuestro análisis de música de videojuegos. En 1985 las limitaciones técnicas eran bastante considerables. Y no existía un precedente en el que basarse, así que el bueno de Koji Kondo tuvo que tirar de creatividad para sacarse de la manga esta maravillosa melodía. Un arduo trabajo de composición bit a bit que revolucionó por completo nuestra sociedad. Gracias a él surgieron los chiptunes y sintetizadores que marcarían la música pop de esa década. Y sus efectos de sonido son tan reconocibles que forman parte ya de la cultura popular.

 

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